YouTubeでロッシーニ

春先から欧州が軒並みロックダウン中で、活動を停止されたオーケストラやオペラハウスが、お詫びとばかりに過去公演のお蔵出しをしてきているのだけど、おかげでロッシーニのオペラにどハマリ中。

 

まずはコレ、ロッシーニの代表作、『セビリアの理髪師』。20年近く前の、ネッロ・サンティがチューリッヒ歌劇場に客演した時のライヴ。ロジーナ役のヴェッセリーナ・カサロヴァを筆頭に、皆さん歌と演技がもうキレッキレ。随所に出てくる、いわゆる“ロッシーニ・クレッシェンド”も巨匠サンティのタクトが冴え渡ってて、とにかく笑ったり感嘆したりなオペラ・ブッファ(今風にいうとドタバタコメディ)。2007年9月に初来日した際には、当時のGMDフランツ・ウェルザー=メストが指揮した『ばらの騎士』を東京まで観に行ったのだけど、同じ日に美智子様が第2幕から観賞にいらしてた偶然も、当日の公演が素晴らしかったことと併せて、私にとっては良い想い出。

 

ロッシーニのイタリア時代最後のオペラ『セミラーミデ』。2017/18シーズンのヴェネツィア・フェニーチェ劇場での上演。ちなみに『セミラーミデ』の世界初演を行ったのがこのフェニーチェ劇場。
ウィーンでベートーヴェンと面会した際に
「君はオペラ・ブッファを書いたほうがいいよ。」
と言われたらしく、
「オッサン声楽モノはてんで駄目なくせにエラソーなこと言うなやボケ!」
とばかりに?発奮して書き上げたオペラ・セリアで、ネタ元は古代ギリシャの伝説に出てくるアッシリアの女王セミラミス。
『セミラーミデ』の映像Blu-ray+DVDは今のところ1つしかリリースされてないので、世界初演した縁のあるフェニーチェ劇場での、このライヴ収録も近い将来Blu-rayでどこかのレーベルがリリースしてほしい。

 

4月7日から3ヶ月限定で公開されているロッシーに最後のオペラ作品、グランドオペラ『ウィリアム・テル』。序曲だけが有名になっちゃってる作品だけど、あの序曲の後に壮大なストーリーがたっぷりと続いてるなんて・・・やっぱりオペラは観てなんぼのジャンルなんだなぁ〜と。
ハプスブルク家から任命されて来た悪代官による、ある些細なことがきっかけの策謀に嵌ってしまい、一人息子の頭上に置かれたリンゴの実をクロスボウで射抜くよう命じられたんだが見事に成功、その後の状況が二転三転するな中で倍返しのリベンジをやってのけたテルの伝説に、スイスの建国の由来とをミックスされて書かれたフリードリヒ・フォン・シラー(=ベートーヴェン第九の歌詞を書いた人)の戯曲『ヴィルヘルム・テル』を下敷きに、フランス語への翻訳とオペラオリジナル設定の微調整も入れて作曲。
パリでの世界初演は大成功で当地では長くレパートリーになってたらしいですが、ロッシーニの故郷イタリアではハプスブルク家による干渉がまだまだ強くて、しかもロッシーニは既に隠遁生活に入っていたので、仏語→伊語への改訳はカットありの内容改竄ありのでグデングデンの状況となってたようです。20世紀も終わりになってようやく事態が改善し、ロッシーニ財団の下でM.エリザベス・C.バートレット編「Fondazione Rossine di Pesaro」の Critical Edition(批判校訂版)が1992年に刊行され、以後これが決定稿として定着していくこととなりました。

YouTubeの OperaVisionチャンネルで期間限定公開されているのは、2013年のロッシーニ・オペラ・フェスティヴァルで上演された演奏のライヴ収録で、Blu-rayとDVDで早くからリリースされているものです。日本語字幕が入ってないのが唯一の難点ですが、アルノール役を務めたテノール歌手ファン・ディエゴ・フローレスの明るく伸びのあるハイトーンを筆頭にメインキャストのみなさんがそれぞれ熱唱と迫真の演技を披露、ノリノリの合唱団の人たちや、ミケーレ・マリオッティの的確なタクトで舞台を支えるボローニャ歌劇場管弦楽団の熱演など、見どころ・聴きどころ満載ですので、ぜひ円盤を購入して観てほしいなと願ってます。
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ヘッセン放送協会のおかげで正月を有意義に過ごせました・・・YouTubeにあるhr交響楽団のライヴ動画

ドイツにはドイツ公共放送連盟(ARD: Arbeitsgemeinschaft der öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten der Bundesrepublik Deutschland)というのがドイツ国内に9つある地方公共放送団体を統括していて、ナチスの悪妙なメディア世論操作への反省から連邦政府が放送に介入できない一方で、放送行政はドイツ各州の所管というシステムになっているそうです。

そして、9つの地方公共放送団体がそれぞれにオーケストラを設立して運営しているのですが、有名どころですとバイエルン放送交響楽団、ベルリン放送交響楽団、NDRエルプフィルハーモニー管弦楽団(旧称:ハンブルク北ドイツ放送交響楽団)等々。ただし昨今の財政難から放送局所属のオーケストラも統廃合が起きてしまってるのは、さしものクラシック大国ドイツでもいろいろと大変なんだなぁ・・・と。

で、“hr交響楽団(hr-Sinfonieorchester)”[https://www.hr-sinfonieorchester.de/]。フランクフルトに本部を置くヘッセン放送協会(hr: Hessischer Rundfunk)所属のオーケストラで、2005年に今の名前に改称される前はフランクフルト放送交響楽団と称していて、前世紀末に日本のDENONレーベルによる優れた録音で当時の首席指揮者エリアフ・インバルとマーラーの交響曲全集をリリースしていたのは、往年のファンの知るところですね。ただ名前がhr交響楽団ではドイツ国外の人から見たら???となりそうだからなのか、2015年から国際公式名をFrankfurt Radio Symphony(日本語では昔と同じフランクフルト放送交響楽団ですが、旧称のドイツ語はRadio Sinfonieorchester Frankfurt、英語でFrankfurt Radio Symphony Orchestra)にしているようです。首席指揮者は2006–2013年のパーヴォ・ヤルヴィ(現名誉指揮者)の跡を引き継いで、2014年より1977年コロンビア生まれのアンドレス・オロスコ=エストラーダが務めています。ヒューストン交響楽団の音楽監督と兼任ですが、PentaToneレーベルからヒューストン響とのコンビでドヴォルザークの交響曲6・7・8・9番やハイドンの『天地創造』など、hr交響楽団とはリヒャルト・シュトラウスのアルプス交響曲や『英雄の生涯』、歌劇『サロメ』などを全てハイブリッドSACDでリリースしていて、どれも一定の高評価を得られているようです。

それにしても、公共放送だから定期演奏会を毎回TVカメラ撮りしているのは当然にしても、惜しげもなくYouTubeに公式チャンネル作ってアップロードしているのは凄い太っ腹ですね。どこぞの低レベルな犬HKとは大違いwww 直近のアップが2週間以上前の12月14日に催された演奏会で、プログラムが
・シューベルト:ヴァイオリンと弦楽のためのロンド
・イェルク・ヴィトマン:ヴァイオリン協奏曲第2番(※サントリーホールからの委託作、2018年8月31日に世界初演)
・シューベルト:交響曲ハ長調『ザ・グレイト』
なのですが、開演始めから見ることができます。まず楽団員が一斉に出てきて観客が拍手で迎えるのは今の京響定期のスタイルと同じだなぁ〜とか(欧州でのこういう習慣を京響も今シーズンからやってみたとかかしら?)、イェルク・ヴィトマンの新作コンチェルトはサントリーホールでの世界初演の際には作曲者自身の指揮でオケが東京都交響楽団、ソリストが妹のカロリン・ヴィトマンだったけど、ドイツでの初演にあたるhr交響楽団とのこの演奏会にもカロリン・ヴィトマンが客演してます。

他にもいろいろと数多くありますし、なによりタダで観れるので、興味のある方はぜひどうぞ。
↓↓
hr-Sinfonieorchester – Frankfurt Radio Symphony 【YouTube公式チャンネル】
https://www.youtube.com/user/hrSinfonieorchester

ちなみに欧州の経済都市フランクフルトにはフル編成のオケが2つあって、1つはこのhr交響楽団(フランクフルト放送交響楽団)、もう1つはフランクフルト・ムゼウム管弦楽団(フランクフルト歌劇場管弦楽団)で、こちらはフランクフルト歌劇場GMDを10年以上務めてるセバスティアン・ヴァイグレがシェフです。200年以上の歴史を持つフランクフルト歌劇場、レコードとかCDとかに名前を見ることがとても少ないので、日本ではあまり馴染みがないと思うのですが、ヴァイグレが音楽総監督に就いてからドイツのOpernwelt誌[http://www.opernwelt.de/]が毎年選出する年間最優秀オペラ座に昨シーズンと2014/2015シーズンの2回選ばれてることもあり、その実力はオペラファンでは知る人ぞ知る、みたいな感じでしょうか。

それはさておき、この正月3が日で視聴したのをツイートしてみたので、ここにも貼っておきます。ヘッセン放送協会に感謝を!w

 


ニコラウス・アーノンクールさんの訃報

片や20世紀の偉大な作曲家であるとともにバイロイト音楽祭の新たなパイオニアとして、片やウィーン・コンツェントゥス・ムジクスを主宰して古楽器とピリオド演奏の再興に道を切り開いた指揮者として、当代においてはベクトルこそ違えども共にクラシック音楽界の巨匠として一時代を築いてきた、パリのピエール・ブーレーズとウィーンのニコラウス・アーノンクール。

ブーレーズの訃報から2ヶ月後、アーノンクールも天に召されることとなりました。享年86歳。はからずも京都賞の受賞者がたて続けにお亡くなりになるとは・・・

(う〜ん、こうして思うに、やっぱり小澤征爾さんの今年のアカデミー賞受賞も一種の生前贈与みたいな感じだったのでしょうか?)

閑話休題

・・・っていうか、11年前に稲盛財団からの授賞で京都に来た時にもシンポジウムとか行けなかったんだよなぁ・・・と今更ながら後悔しています。ともあれ、古楽ファンの1人として、心より謹んで謹んでお悔やみ申し上げます。






 

アーノンクールさん死去 世界的指揮者 86歳【朝日新聞 2016年3月6日】
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 世界的指揮者で、モーツァルトやバッハの作品への斬新な解釈で知られるニコラウス・アーノンクールさんが5日、死去した。86歳だった。AFP通信などが報じた。

 現代のクラシック音楽演奏に大きな影響を与えた、古楽演奏のパイオニアとして知られる。ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団などを率いて日本にも幾度か訪れ、2005年には京都賞を受賞した。昨年12月、今後の演奏活動から退く意向を明らかにしていた。

 ベルリン生まれ。ウィーン国立音大でチェロを学び、チェリストとしてウィーン交響楽団に入団。作品が生まれた当時の楽器や奏法を用い、楽曲の響きを新鮮に立ち返らせる古楽運動を興した。53年、アリス夫人とともに古楽演奏集団「ウィーン・コンツェントゥス・ムジクス」を創設。古楽の巨匠グスタフ・レオンハルトと、200曲にも及ぶバッハのカンタータ全曲を録音するなど、金字塔的な活動を繰り広げた。

 ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団のニューイヤーコンサートでは2度指揮した。またベルリン・フィルハーモニー管弦楽団やロイヤル・コンセルトヘボウ管弦楽団など世界各地の名門楽団に招かれ、幅広い音楽ファンに愛された。

 

Zum Tod des revolutionären Dirigenten Nikolaus Harnoncourt【DIE WELT 2016年3月6日】

Nikolaus Harnoncourt revolutionierte die klassische Musik. Er war Urknall der historischen Aufführungspraxis und der wichtigste Dirigent nach Karajan. Jetzt ist er im Alter von 86 Jahren gestorben.

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Wie unkonventionell, geradezu rabiat Nikolaus Harnoncourt sein konnte, das ahnte man, wenn der berühmte Dirigent mit Dreitagebart, fast ungepflegt, am Arm seiner Frau zum Interview erschien. Oder wenn er sich einen Barhocker aufs Podium stellen ließ, weil es sonst vorkommen könne, wie er sagte, “dass ich mich einfach auf die Erde setze”.

Als sich Harnoncourt 1952 als Cellist bei den Wiener Symphonikern bewarb, hatte ihn Herbert von Karajan, damals der Chef, ohne Probespiel mit den Worten eingestellt: »Wie der sich schon hinsetzt, den engagier ich.« Später sorgte Harnoncourts Bemerkung, Karajan sei “ein guter Porschefahrer” gewesen, für einen Bruch, den ihm Karajan nie verzieh.

Harnoncourt, der Unknall der historischen Aufführungspraxis und zweifellos der wichtigste Dirigent, der nach Karajan kam, war ein Bürger als Bürgerschreck. Als die Terrormilizen der Bewegung “Festliches Barock” nach dem Krieg auf die Wiederentdeckung der Musik des 18. Jahrhunderts setzten und sie mit großen Sinfonieorchestern in Wagner-Formaten zelebrierten, war es Harnoncourt, der den Gegenkurs fand.

Harnoncourt war neugierig. Blieb es sein Leben lang

Mit einigen Wiener Getreuen, darunter seiner Ehefrau Alice, begann er in staubigen Originalen zu stöbern. Man fahndete nach alten, zumeist ramponierten Instrumenten, mit denen die Musik eines Schmelzer, Fuchs, dann auch Bach “authentisch”, das heißt in der Art der Entstehungszeit zur Aufführung gebracht werden konnte. Wobei Harnoncourt stets selbstkritisch genug blieb einzuräumen: “Beim Ausdruck ‘historisch informiert’ wird mir schlecht.” Er halte sich “nicht für informiert, sondern für neugierig”.

Das war er wirklich. Mit seinem 1953 gegründeten Concentus Musicus Wien lüftete er pionierhaft die ranzig und verklebt klingenden Interpretationen bisheriger Barock-Musik. In Bachs “Matthäus-Passion” setzte er 1970 erstmals wieder Knabensoprane ein. Mit dem Regisseur Jean-Pierre Ponnelle sorgte er in den 70er Jahren in Zürich für die szenische Wiederentdeckung von Monteverdis Opern-Triologie “Orfeo”, “Poppea” und “Ulisse”.

Über Ponnelle sagte er später, dieser sei der modernste Regisseur gewesen, mit dem er in seinem Leben zusammen gearbeitet habe – “nur hat die Modernität von Ponnelle niemand bemerkt, weil er in historischen Kostümen inszenierte”.

Harnoncourt, nachdem der Siegeszug von Darmsaiten und Countertenören langsam in Fahrt Fahrt, war auch der Erste, der das Ghetto kleiner Spezialensembles wieder verließ. Beim Concertgebouw Orkest in Amsterdam, mit den Wiener und Berliner Philharmonikern begann er seine Lehre von der “Klangrede” auf andere Bereiche anzuwenden: auf Beethoven, Schubert und Schumann.

Mit “Klangrede” – einer seither zu häufig zitierten Spielmarke – war gemeint, dass man beim Aufführen alter Musik nicht auf Legato, Linie und Klangzauber achten solle. Maßgeblich sei vielmehr der rhetorische Kommunikationswert der Musik: ihre Nachahmung der gesprochenen Sprache. Das verursachte ein grundsätzliches Umdenken. So dass die Welt der Klassik seitdem nicht mehr dieselbe ist.

Gemeinsam mit dem Cembalisten Gustav Leonhardt (wenn auch unabhängig voneinender arbeitend) begann man die erste Gesamteinspielung aller Bach-Kantaten – eine Großtat, auch wenn durch die Aufnahmen ein Eishauch der Aufklärung zu wehen scheint. In Opern Rameaus und Händels, später auch Mozarts, dazu bei den Orchesterwerken von Beethoven, Brahms, Dvorak und sogar Bartók stülpte Harnoncourt das romantisch verfälschende Bild vollständig um.

Die Klassiker erschienen plötzlich wieder als Revolutionäre ihrer Zeit. Das waren sie ja auch. Harnoncourt machte das Altvertraute wieder gefährlich. Und das Abgestumpfte wieder spitz.

Es klang nun abtaktig, schroff und leicht rachitisch. Die Klassiker erschienen plötzlich wieder als Revolutionäre ihrer Zeit. Das waren sie ja auch. Harnoncourt machte das Altvertraute wieder gefährlich. Und das Abgestumpfte wieder spitz.

Widerstand gegen ihn formierte sich eigentlich wenig. Dazu war die Missionsarbeit zu gründlich und auch zu nachhaltig angelegt. Zwar gibt es bis heute Hörer, welche die klangliche Schnappatmung und den Darmsaiten-Katarrh der historischen Aufführungspraxis beklagen. Und über die Macken der anfangs schlecht klingenden alten Instrumente nicht hinweghören mögen.

Doch der Fortschritt ist auch den Historisten um Harnoncourt gut bekommen. Heute klingen Ensembles, die seiner Schule angehören, viel weicher, flexibler und besser als ehedem.

Harnoncourts emotionale Kraft war enorm

So war es kein Wunder, dass Harnoncourt, der leise Radaumacher, nach und nach zum Grandseigneur der Branche avancierte. Die großen Orchester ließen sich alle gern von ihm inspirieren. Tatsächlich lag der Charme seiner Probenarbeit – wie bei allen Dirigenten seiner Richtung – nicht in guter Schlagtechnik begründet. “Wir sehen gar nicht hin”, flüsterten einem Orchestermusiker bisweilen zu.

Die emotionale Kraft aber, die von diesem Mann ausging, war enorm. “Wir spielen nur, um ihn glücklich zu sehen”: Diese Einstellung vieler Sänger machte alle technischen Defizite wett. Auch wenn nicht jede Harnoncourt-CD in den Olymp ewiger Aufnahmeheiligtümer einziehen wird.

„Es stimmt schon, ich habe mit zehn Jahren aus heiterem Himmel zu meinem Vater gesagt: ‚Höflichkeit ist Lüge’.“

Harnoncourt, geboren am 6. Dezember 1929 als Johannes Nicolaus Graf de la Fontaine und d’Harnoncourt-Unverzagt, entstammte einem verarmten Adelsgeschlecht. Aufgewachsen in Graz, hatte er das Image des Desparados nicht freiwillig gewählt. “Es stimmt schon, ich habe mit zehn Jahren aus heiterem Himmel zu meinem Vater gesagt: ‘Höflichkeit ist Lüge'”, räumte er ein.

Es sei ihm lieber “unverblümt zu reden, auch wenn sich manchmal die Leute grämen, als dauernd liebe Sachen zu sagen und dabei zu denken, dass sie Trottel sind.” Die Orchesterstelle bei den Wiener Symphonikern hatte ursprünglich auf eine solide Musikerkarriere hingedeutet. “Ich habe es nur irgendwann im Orchester nicht mehr ausgehalten”, sagte er schlicht.

Gläubiger Familienmensch, der er war, hatte Harnoncourt nach dem epochalen Aufstieg seiner Karriere schon lange angefangen, offen und immer wieder über den Tod zu sprechen und den Rückzug zu planen. “Bevor ich sterbe, möchte ich noch Bergs ‘Wozzeck’ dirigieren”, sagte er. Um dann in Salzburg eine geplante “Lulu” dennoch aus Gesundheitsgründen absagen zu müssen.

Kritiker der Tradition, mit dem Betrieb bestens kompatibel

Erst in den letzten Jahren begann er, auch große Partituren (von Mozart und Beethoven) mit dem Concentus Musicus aufzuführen – ein Ensemble, das mit ihm gealtert war und für das er keine Nachfolgelösung fand. Doch selbst die zyklische Aufführung der neun Beethoven-Sinfonien im Wiener Musikverein – nachdem er seinen definitiven Abschied von seiner Heimatstadt Berlin 2014 schon gefeiert hatte – musste immer wieder aufgeschoben werden.

Harnoncourt, als Kritiker der Tradition, war mit dem Klassik-Business besser kompatibel als man denkt. Er war es, der Anna Netrebko für die westliche Welt entdeckte (2002 im Salzburger “Don Giovanni”). Er protegierte die noch junge Cecilia Bartoli und schreckte keineswegs davor zurück, sich mit Lang Lang (auf dem Höhepunkt von dessen kommerzieller Karriere) für eine Mozart-Platte zusammenzutun.

Er war auch der erklärte “Lebensdirigent” der Belcanto-Queen Edita Gruberova; bevor diese vor allem Bellini und Donizetti sang, womit Harnoncourt nichts anfangen konnte. “Er sagt immer, ich sei ihm untreu geworden”, so Gruberova. “Aber in Wirklichkeit ist er es, der mir untreu geworden ist.”

Unzertrennlich mit seiner Alice, seiner Frau

Harnoncourt, der nie im Leben einen Manager beschäftigt hat, war mit seiner Ehefrau Alice Harnoncourt buchstäblich unzertrennlich. Im Concentus spielte sie die erste Geige. Doch auch wenn Harnoncourt anderswo dirigiert, saß Alice zumeist spielend mit im Orchester. Sie richtete ihm die Partituren ein. Sie plante die Reisen, hielt ihrem Mann den Rücken frei und war eine geheime Triebfeder rastloser Energie.

Als Harnoncourt immer häufiger Abschiede feierte, wurde Alice einmal gefragt, ob sie es eigentlich für möglich halte, dass der Vielbeschäftigte auf den Musikerberuf tatsächlich verzichten könne. Da antwortete Alice ebenso rührend wie entwaffnend: “Er schon. Ich nicht.”

Von ihren vier Kindern wählten zwei den Künstlerberuf. Die Mezzo-Sopranistin Elisabeth von Magnus wirkte in etlichen Aufnahmen ihres Vaters mit. Sohn Philipp firmierte gemeinsam mit seinem Vater als Regisseur. In St. Georgen am Attersee, zuvor auch in Kilchberg bei Zürich (in derselben Straße, in der Thomas Mann wohnte), war der Privatmann Harnoncourt: ein Leser.
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(Nikolaus Harnoncourt besaß eine enorme emotionale Kraft am Dirigentenpult. Und er öffnete mindestens einer Generation von Klassikhörern die Ohren)

Er war stolz darauf, sämtliche Bände von Balzacs “Comédie humaine” gelesen zu haben. Er verschlang jedes neue Buch des Literaturwissenschaftlers Peter von Matt. Eine weitere Leidenschaft galt der figürlichen Holzbildhauerei. Im Unterschied zu vielen anderen Musikern, die malen, lehnte er es aber ab, dafür ernst genommen zu werden. “Ein Hobby”, sagte er schlicht.

Harnoncourts Bekenntnis zum musikalischen Extremismus führte ihn bis zu Gershwin. “Bei Jazz-Sängern wie Frank Sinatra”, so bekannte er, “habe ich erstmals angefangen mich zu wundern: Warum singen die so – und wieso stellt sich ein Klassik-Sänger hin und singt einfach Noten?!”

Das weckte sein Denken. An Nikolaus Harnoncourt lässt sich lernen, dass hinter genialen Leuten immer weit Widersprüchlicheres steckt als die Summe ihrer Lehren. Am 5. März ist nun Nikolaus Harnoncourt, der eine Epoche prägte, im Alter von 86 Jahren gestorben.

 


小澤征爾さん、グラミー賞の最優秀オペラ・レコーディングを受賞

この度は小澤征爾さんがグラミー賞(最優秀オペラ録音)を受賞されたとのこと、誠におめでとうございます!
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今回受賞作となった小澤征爾&サイトウ・キネン・オーケストラによるラヴェルの歌劇『子供と魔法』はナクソス・ミュージック・ライブラリでも配信されています。
http://ml.naxos.jp/album/00600406516923

 


 

ラヴェル:歌劇『子供と魔法』/小澤征爾&サイトウ・キネン・オーケストラ他【Decca】

モーリス・ラヴェル
・歌劇『子供と魔法』

指揮:小澤征爾
管弦楽:サイトウ・キネン・オーケストラ
合唱:SKF松本合唱団、SKF松本児童合唱団、他
子供:イザベル・レオナルド(メゾ・ソプラノ)
肘掛椅子、木:ポール・ゲイ(バス・バリトン)
母親、中国茶碗、とんぼ:イヴォンヌ・ナエフ(アルト)
火、お姫様、うぐいす:アンナ・クリスティ(ソプラノ)
雌猫、りす:マリー・ルノルマン(メゾ・ソプラノ)
大時計、雄猫:エリオット・マドーレ(バリトン)
算数を教える小さい老人、雨傘、中国の茶碗:ジャン=ポール・フシェクール(テノール)
安楽椅子、コウモリ:藤谷佳奈枝(ソプラノ)

録音時期:2013年8月23,25,28,31日(ライヴ)
録音場所:まつもと市民芸術館

http://ml.naxos.jp/album/00600406516923

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ボストン交響楽団[https://www.bso.org/]の音楽監督を1973年から29年にわたって務めておられた小澤さんが全米のためとも言えるグラミー賞で初受賞というのは大いに意外感を持ちましたがが(ノミネートは過去に何度かあったそうだが)、そのグラミー賞で全てのジャンル通じてダントツの最多受賞記録保持者ゲオルク・ショルティがシカゴ交響楽団を率いていた時期とほぼ重なっていた巡り合わせの悪さは、これはもう運が無かったとしか言いようがないので仕方ないですね。

今や伝説の人物であるトランペット奏者アドルフ・ハーセスらを筆頭とした世界最強のブラスセクションを擁するシカゴ響の黄金期を築き上げたショルティの40とも言われる受賞歴は、あの米国の寵児バーンスタインですら遥かに凌ぐ記録で、これ塗り替えるミュージシャンなんて今後も出てこないでしょうし…ジャズ界の巨匠パット・メセニーですら個人+グループでまだ20弱なわけですから、如何に優れた音楽家だったかを示しているかと思います。ショルティの評価が未だに日本では実力に比して高くないのは、あまりにもったいないですね。

閑話休題

シャルル・ミュンシュの弟子でもあり、そのミュンシュがボストン響に残した遺産を再興して独グラモフォンや蘭フィリップスに数多くの録音を残し、地元にも大人気だった小澤さんですが、グラミー賞を競う相手がショルティ&シカゴ響ではさすがにやや分が悪かったのは否めないでしょう。そして長らくボストン響のシェフを務めた後にウィーン国立歌劇場の音楽監督を引き受けた時期はクラシックのレコード業界自体がすでに衰退の一途に入っており、彼自身の病気療養とも相まって円盤リリースも減少していました。サイトウ・キネンとの『子供と魔法』は実に4年ぶりのリリースで、そのラヴェルのオペラが米国とは接点のないマイナーな作品であることと指揮者・オケ・合唱・演奏場所が米国でなく日本であることなどを考え合わせると、元来は全米の音楽界のためにあるグラミー賞の今回の初受賞は、NARASから小澤さんへのボストンその他での業績に対する、最初で最後の感謝の餞のように思えてなりません。

ともあれ、改めてこの場で、小澤さんには受賞おめでとうございますと祝辞を申し上げるとともに、今後のご健勝をお祈りいたします。

グラミー賞に小澤征爾さん指揮のアルバム 初の受賞【朝日新聞 2016年2月16日】

 米音楽界の祭典、第58回グラミー賞授賞式が15日(日本時間16日)に米ロサンゼルスであり、指揮者の小澤征爾さんが指揮したラベル作曲の歌劇「こどもと魔法」を収めたアルバムが最優秀オペラ録音賞を受賞した。小澤さんがグラミー賞にノミネートされるのは8度目で、初の受賞だ。

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 小澤さんが指揮した歌劇「こどもと魔法」は、2013年8月に長野県松本市で開かれた音楽祭「サイトウ・キネン・フェスティバル松本」(現在は「セイジ・オザワ 松本フェスティバル」と改称)で録音された。サイトウ・キネン・オーケストラが演奏し、地元の子どもらの合唱団も参加した。

 小澤さんは音楽祭公式サイトに「この『こどもと魔法』は僕の大事な仲間であるサイトウ・キネン・オーケストラとすばらしい歌い手たちと創った作品で彼らのお陰で、充実した練習と公演ができてとても楽しかった。それが松本のフェスティバルの力なのだと思う。たいへんうれしく、みんなとこの作品を創れたことを誇りに思います。仲間たちとこの喜びを分かち合いたいです」とコメントを寄せた。

 最優秀劇場ミュージカル・アルバム部門でノミネートされていた俳優の渡辺謙さん主演の舞台「王様と私」は受賞を逃した。(ロサンゼルス=平山亜理)

 

小澤征爾さん、グラミー賞の最優秀オペラ・レコーディングを受賞 「誇りに思う」
【ハフィンポスト日本版 2016年2月16日】

世界最高峰の音楽の祭典「第58回グラミー賞」(アメリカ・ロサンゼルス)で、指揮者の小澤征爾さん(80)が指揮した『ラヴェル:歌劇《こどもと魔法》』が2月16日、クラシック部門の最優秀オペラ・レコーディングを受賞した。小澤さんがグラミー賞を受賞するの初めて。グラミー賞の公式ツイッターが速報した。

ユニバーサルミュージックの公式サイトによると、アルバムは、2013年のサイトウ・キネン・フェスティバル松本(現セイジ・オザワ 松本フェスティバル)で行われた公演をライヴ収録したもの。 子供が主人公のファンタジーで、ラヴェルの色彩豊かなスコアをサイトウ・キネン・オーケストラが見事に再現。豪華な歌手陣のコミカルな演技もあいまって、とても楽しいステージとなった。

小澤さんによるラベル作品のオペラは、初録音。小澤さんは病気療養のため、2012年3月から公演活動を休止していたが、この公演で約50分にわたるオペラを指揮。約1年半ぶりの本格的な活動再開となった。

小澤さんはこの作品が同賞にノミネートされた年、「『子どもと魔法』は僕がパリのオペラ座でデビューした時のオペラです。とても光栄です。この喜びをみんなと分かち合いたいです 」などとコメントしていた。

セイジ・オザワ 松本フェスティバルの公式サイトによると、小澤さんは今回の受賞にあたり、次のように語った。

「この『子どもと魔法』は僕の大事な仲間であるサイトウ・キネン・オーケストラとすばらしい歌い手たちと創った作品で彼らのお陰で、充実した練習と公演ができてとても楽しかった。それが松本のフェスティバルの力なのだと思う。たいへんうれしく、みんなとこの作品を創れたことを誇りに思います。仲間たちとこの喜びを分かち合いたいです」



 

小澤征爾さんのかつての地元ボストンでは、現在の音楽監督であるラトビアの俊英アンドリス・ネルソンスと手兵ボストン響がグラモフォンからリリースしたショスタコーヴィチの10番シンフォニーが最優秀オーケストラ・パフォーマンスで受賞したこともあり、地元紙では二重の喜びとして報じられているようですね。

Andris Nelsons, BSO, Seiji Ozawa win Grammy Awards
【ボストン・グローブ紙 (By Steve Smith) 2016年2月15日】

The Boston Symphony Orchestra and its music director, Andris Nelsons, struck Grammy gold on Monday night, when “Shostakovich: Under Stalin’s Shadow,” their debut recording for the venerable German label Deutsche Grammophon, earned the prize for best orchestral performance. The award is the BSO’s seventh Grammy (eighth including a 1966 win for the Boston Symphony Chamber Players), and Nelsons’s first.

The CD, which features the Soviet-era Russian composer Dmitri Shostakovich’s Symphony No. 10 and the Passacaglia from his opera “Lady Macbeth of Mtsensk,” is the first release in a series now projected to comprise all 15 of Shostakovich’s symphonies and more, recorded live by Nelsons and the orchestra. The win was announced during the pre-telecast ceremony in Los Angeles, and Nelsons revealed the recording project’s expanded scope during an interview Monday evening.

“Firstly I’m very proud of the Boston Symphony Orchestra,” a tired but audibly ebullient Nelsons said by telephone from Amsterdam, where he is due to conduct the Royal Concertgebouw Orchestra in Shostakovich’s Symphony No. 6 this week. “All of the wonderful musicians, of course, but also the management team, the board, the supporters, and the audience, all the people who are a part of the Boston Symphony family.” Both the nomination and the award, he said, acknowledge the institution’s teamwork and its passion for music.

As importantly, Nelsons asserted, the award also honors Shostakovich. “In the end, it’s about the composer, about these great symphonies — and of course in this case, the Symphony No. 10 was very personal to Shostakovich,” he said. “I’m thankful to Deutsche Grammophon, our partners — we are going to record the complete Shostakovich symphonies and hopefully some other things as well. They took a partnership with us, and took such a great composer as Shostakovich. Somebody else might have said, ‘You could have taken somebody easier.’”

As originally announced, the project undertaken by Nelsons, the orchestra, and the label featured Shostakovich’s Symphonies Nos. 5-10 and a handful of smaller works. The next release, a two-CD set including Shostakovich’s Symphonies Nos. 5, 8, and 9 and incidental music from “Hamlet,” is scheduled to arrive in late April. But now, in addition to a complete cycle of Shostakovich’s 15 symphonies, a new recording of the opera “Lady Macbeth of Mtsensk” is also under discussion — with official resolve now presumably bolstered by a Grammy win.

“It’s a huge honor,” Nelsons said, “and also, for me, as a conductor who doesn’t play any notes, a great honor and confirmation of how great the musicians of the Boston Symphony are, on the one hand, and on the other, how great and ingenious Shostakovich’s music is, and how necessary it is to hear this music now.

“The world is going a bit crazy,” he added, “and what Shostakovich says through these symphonies is actually very [timely] nowadays. I’m very happy and touched that people feel the necessity to listen to this music, and that this music gives them emotional and intellectual comfort.”

Another name familiar to BSO audiences also entered the winners’ circle on Monday: Seiji Ozawa, the orchestra’s music director from 1973 to 2002 and now its music director laureate, earned the Grammy for best opera recording for a disc of Ravel’s “L’Enfant et Les Sortilèges” and “Shéhérazade.” The recording, which features Ozawa, soprano Isabel Leonard, the Saito Kinen Orchestra, and the Saito Kinen Festival Matsumoto Chorus and Children’s Chorus, was issued by Decca, a sister label to Deutsche Grammophon under the Universal Classics umbrella.

Ozawa’s most recent appearances with the BSO at Symphony Hall took place in fall 2008. He is scheduled to return to Tanglewood this summer, 10 years since his last appearance at the festival; he led his final concert as BSO music director at Tanglewood in 2002.